「台灣最早的Cosplay，幾乎都來自日本。」說起自己從1990年代開始接觸初流行到台灣的Cosplay，並且在同人社團結識同好、成立組織，知名Coser席珍說：「過去的同人們，是在全台各地的『漫畫便利屋』留下聯繫方式，從筆友開始寫信交流。」那時Cosplay外拍結束後，攝影師會立刻去沖洗底片、印出照片，現場分享之後，再把成果放在漫畫便利屋，大家透過留言交換心得。在網路尚未發達的時代，Cosplay圈是這樣子互通有無。

而1995至1997年間，彼時人人風靡的是街機遊戲「快打旋風」、重金屬樂團「X Japan」以及冨樫義博的《幽遊白書》。席珍與朋友們在這股熱潮中發現：「好像沒有台灣作品被Cosplay？」不願本土元素缺席，經由台北同好會與霹靂布袋戲公司牽線，取得授權，Coser們展開北中南串聯，在1997年2 月舉行的第二屆「國際偶戲節」，以霹靂布袋戲的角色首次Cosplay台灣本土創作。

「那應該也是現場觀眾第一次看見有人Cosplay成喜歡的布袋戲角色。」媒體報導加上口碑宣傳，布袋戲的Cosplay圈漸漸成形，開始蓬勃發展。席珍說：「那時台灣動漫展也起步了，本土創作的鼎盛期，會場大約有1/2至2/3的人是打扮成布袋戲角色。」從日本風潮轉化為台灣創作，席珍宛如開創元老，正是她與朋友們，攜手劈出了台灣Cosplay的全新宇宙。

「台灣的Coser都很多才多藝，很多事情要一手包辦。早期辦活動都是自己來，大家逐漸訓練出組織和領導能力，懂得找場地、支援還有分配工作。」席珍本身就學習藝術，主修油畫、副修水墨，因此在Cosplay資源不豐的初期，較於他人，她更能從容駕馭。當年的大家便是不斷從挫折與錯誤中學習，追求進步，並且應對媒體：「後來主流媒體慢慢注意到Cosplay圈，一開始雖然報導內容往往偏向負面、戲謔，但消費能力高的族群，也逐漸懂得從容面對、扭轉形象。」

在2018年與國家兩廳院合作「給Coser的表演課」中，席珍更將Cosplay推向藝術層次，與專業演員正面交流。提到自己從玩票性質過渡到表演層次的路程，她說：「之前只憑藉一種『感覺』，後來慢慢過渡到接近演員的『表演者』，才有辦法更全面展現角色的精神、氣勢。」

席珍也觀察到兩岸Cosplay圈不同的地方：「他們很擅長打團體戰，一個人只要專注幾個專長就好，例如梳化、妝髮、活動。」相較於日本、台灣或是東南亞，中國Cosplay起步稍晚，但進展很快。「他們有點類似經紀公司，Coser很像藝人，也比較敢嘗試。」相比之下，台灣的Coser則更像是單打獨鬥的十項全能者，凡事都得親力親為，但席珍認為：「這各有利弊，他們會羨慕台灣Coser的多才多藝；但相對來說，台灣也會欣賞他們的專業團隊合作以及規模。」

基於人口數的落差，相對而言，台灣的市場規模也較小。席珍坦言：「在台灣專心只扮Coser雖然可行，但也比較難長久走下去。」在觀察市場與周遭朋友的經歷後，席珍認為，要長期在Cosplay圈耕耘，最重要的還是「思維」：有的Coser開始做周邊商品、創造二次元形象，把自己化為IP延伸出去，不再只是行銷個人，而是把自己當成品牌來經營，打造附加價值，讓粉絲產生認同與歸屬。她說：「畢竟Coser以外型吃飯，是有年限的。開創其他的出路，就變得很重要。」

即使擁有登上兩廳院、在內蒙古荒漠拍攝MV等壯舉的經歷，談起Cosplay，席珍還是把自己定位為「玩家」。「唯有這樣，我才比較自在，可以走得更遠。」由此可見她是如何珍愛自己的興趣，而不願意被工作消磨、耗損。經過二十餘年，席珍聊起Cosplay，彷彿還是那個初接觸同人的愛好者，她與夥伴用時光慢慢熬煮，調出Cosplay的台灣味。●